绘画是一种需要,中国画就失去了创造力

发布时间:2020-05-08  栏目:艺术家产品  评论:0 Comments

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绘画是一种需要

赵无极,出生于北京一书香世家。1935年入杭州艺术专科学校,师从林风眠。1948年赴法国留学,定居法国。早期的作品主要以塞尚、马蒂斯、毕加索为师,画风比较接近西方印象派。后来从克利的画中得到启示,一跃进入到抽象的世界中。赵无极的绘画,将中国传统绘画的意蕴融入到西方现代油画的色彩中,创造出色彩变幻、笔触有力、富有韵律感和光感的新的绘画语境,被称为“西方现代抒情抽象派的代表”。

画抽象画也要有功夫的。没功夫的抽象画也是空的,没东西可看。绘画的倾向是自己需要。并不是我说要画抽象就可以画了,而是自己需要画抽象才画抽象。而且,现在抽象画也不是新的东西,是属于五十年代我们那个时代的东西。所以假如你们要画,应该在理解抽象画的基础上,再进一步画别的。

1、少就是多

有人说画抽象画就是乱画,那是不可能的事。画抽象,画具象,道理是一样的,都有空间、结构、光彩和颜色的问题。你对这方面的认识没有,乱画出来,那是根本没办法的。所以有人说我不敢教抽象派,是我怕同政治有冲突。根本不是这回事。绘画的问题,是一种本身的需要,内心的需要。今天画这,明天画那,简直是变戏法,不是画画。

画画要“经济”,也就是说要能从简单里看到丰富,从少里看到多,但不是表面的多。换句话说,就是简单里要有东西看。

《红岩》

有的人功夫很好,可他画的画让人看了累得不得了。他画得累,看的人更累。

各人应该用自己的眼睛去看

好的画,就算他自己画得累,可别人却看不出他累。就像林布兰的画,画时并不是不累,但是人家看得不累,是精彩的好画。

绘画的问题,根本就是观察的问题,就是用自己的眼睛去看,不要用我的眼睛去看,不要用自己以前的眼睛看。

年轻时的赵无极

我说你们不是技巧的问题,不想讲。你们的问题是观察的问题,怎么去看的问题。怎么把自己的感情同看到的东西连到手上表现出来,这点最重要。这并不是画的问题,而是观察的问题。因为观察正确,就是每个人都有每个人自己的观察办法,每个人的作风就不一样。假如每个人的观察都是清一色的,画出来的就都是一个样,像是从一个模子里出来的。你看,一个妈妈生八个孩子,八个孩子脾气都不一样。为什么你们画画都是一样的,这个没道理!

中国古代的好画也是这样,比如范宽,他功夫很好,但你觉得松得很,看得很舒服;倪瓒也是,淡淡几笔,却表现了很多东西。

《花鸟》

怎样既画得简单,又包含很多东西呢?就是要“中肯”。如果中肯,力量就大,不中肯,摆了很多东西也没用。

画人体,不是光勾个线就行了,不那么简单。你们要好好地去看。有的地方冷,有的地方热,前面后面都有关系,你们得自己去找出这些关系。比如,身体的这条线到那条线就不一样,你们细细地找会看得出来。你们平时画人体,都是嘣嘣嘣,看也没有看。而画画最要紧的是观察。观察变了,画的办法也变。以前你们不找关系,画裸体,画完人体就完了,人体和周围环境没关系,背景总是黑色或咖啡色,根本没考究。现在我要你们用自己眼睛看,动动脑筋,不要老是把成见画出来。

你们画画总是注意小的东西,啰里啰嗦,我总是要求你们单纯、再单纯、简单、再简单。

画时要多用眼睛,少用习惯。我现在是想办法破你们的习惯,不过你们的习惯不太容易破。

2、看整体,不是看小趣味

现在你们的画有个毛病,就是不看签名好像是一个人画的。我现在就是要把这点改变过来,发展你们每个人的个性。我是主张每个人都要有自己的个性。所以我改画时,都是照你们的办法改,把你们好的地方提出来,坏的地方淘汰掉。这样做,我教课就得辛苦一点。如果让你们都照我的办法去画,不得了,一个模子出来的,就糟了。我希望你们每个人自创出一个作风,越来越画得不一样,二十七个人,应该有二十七个个性。

画画其实不需要那么多的理论,我觉得理论越少越好,只要能把眼睛和手结合起来就好了。然后要学会观察和控制画面,画的时候一开始就应该整个来,不要一开始就找小趣味。比如画人体,起稿时要把人体连同背景一起画,不要单单地画人体,否则关系不容易找到。

画画,不过就是表现自己。你们受的教育恰恰相反,不要表现自己。现在我就是想把你们每个人的个性拉出来,有个出路。最重要的是坚持你自己,为自己画画。

《 教堂风景》 1951 年

《静物》

一笔动,整个画面都动。这里动,别的地方要呼应,要连起来画。格局不打破,就根本没办法画,非打破不可。

要让绘画呼吸

改画的时候,也要整个改,不要将就一两笔。看这里一笔好,就照这个地方搞,这是不可能的事情。整个好,才是好!

画画同呼吸一样。人需要呼吸,不呼吸活不下去,绘画也要呼吸。你要把你自己的感情摆进去,让画面同你一道呼吸。

有了整体后,再来求变化,但是要注意这个变化不要牺牲了整体的感觉,也就是说,要保持整体,在里面变化。

绘画的问题,是想办法思考一下自己,好像和尚静养一样,把世界上什么东西都忘掉,把主题忘掉,就把你自己摆进去。让你本身,你的感情同画面直接连起来,等于恋爱差不多,双方发生接触的关系。你给画呼吸,画也帮助你呼吸。

3、重要的是节奏

画面要有紧有松。到处紧透不过气来;到处松就空洞。世界上事情都存在着对比。音乐总有停的时候,中国画里也有休息的空白的地方,这个很重要。不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。还要有静有动。不能到处都动。到处动,就乱了。动的多,就要静来陪衬。画的各方面都有联系,不能画布是布,画腿是腿。你要把它们连起来。

要小心,到处都是一样的效果,就没效果了!

你们有的是松得太多空,有的是实得太厉害死。这两个之间怎样找到一个中间的办法,使它变化多一点。这里复杂,那里就该安静些,要不就乱了。好像唱京剧,总是唱高调,就单调了。

《拥抱》 1951 年

我的大纲很简单:单纯而有内容。我们要经济些,就是简单里看到丰富,少里看到多,而不是表面的多。换句话说,简单不是没东西的简单,简单里面要有东西看。有人功夫很好,可画的画让人看了累得不得了。他画得累,看的人更累。好的画,他自己画得累,可别人看不出你累。伦勃朗的画,画时并不是不累,但人家看得不累。中国古代的倪云林也是,淡淡几笔,表现很多东西。

画里重要的是节奏,不要总是温吞水。

《山水》

有静,有动,不能到处都动,动的太多,就要拿静来陪衬。好像唱京剧,总是唱高调,就单调了。

慢慢地来,要整体而有变化。这个变化要保持整体,在里面变化。动笔的时候,不要单单动一个部分,而是四方面都要看,不停地看。因为动一笔,到处都要动。绘画是整体的不是部分的。

所有的画,不是功夫好就能画好,画到一定的程度时,应当把功夫忘掉。你们有功夫,但画面到处都紧,紧得透不过气来,应该有松有紧,比较得多,层次就多。你们画的色彩却又太简单,要注意亮的地方不要都一样亮,灰的地方不要一样灰,深的也不要一样深,那么你们的画面效果就变化无穷了。

我希望你们的画本身要动,而你们用笔总有停的感觉,我让它动起来这块颜色不能孤立,应该连起来。现在,我不是恭维你们,你们的画已经在动了,已经有生气了,不再是死的样子了。

4、画要能呼吸

临画也要有自己的主张,要去理解大师画时的心境。不要抄,不要临表面的结构,要临他的呼吸,精神。

你们一开始要做到简单,再从简单之中慢慢丰富起来,丰富之后再把不要的东西去掉,这就是画家本身怎样选择的问题。

用笔的方法都不能一样,有轻,有重,有稀,有厚,那么变化就多了。我平常就是画很细的东西也用大笔。中国笔有好处,画水墨时我总是用斗笔。油画笔不大容易,那么就要靠你的力量,这样子提起来,又这样子拖,转,各种方法都要运用。重要的是把自己的呼吸,自己的感情连到手上表现出来。

构图最重要的就是空间关系,假如没有空间,你的画就松不了,动不了。空间关系多就活,不然的话就呆。你们的画常感觉是停在那里,没有动的感觉。你们用笔也总有停的感觉,笔像是“摆”着画,笔不要用得太死,要活一点。用笔的方法也不能都一样,有轻,有重,有稀,有厚,这样变化就多了。

《蚀刻》

《红色风景》 1954 年

画画没有一定的方法

画面要有紧有松。到处紧——透不过气来,到处松——就空洞。世界上的事物都存在着对比,音乐总有停的时候,中国画也有休息的地方——留白。

绘画这个问题,到了布上以后再说。不要先想得太多,先想了没用。如果你的画还没画以前就知道该怎么样怎么样,那有什么意义?好像你订起计划来同某某小姐恋爱,今天我送花,明天嘛我送点什么东西,后天打算同她接吻都是靠不住的呀!画画跟恋爱一样,不能自己先算好一套。你先想好送花、接吻,结果她给你两巴掌,那你怎么办?又重新开始?又去买花所以绘画的问题,不是自己心里先想好,而是人同画面接触的关系。

不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。

画画不要自己限制自己,不要说这里应该是什么颜色。你看人体本身有很多很多颜色,要你自己去发现。不要自己有个成见地去画,不要先有个主张。每张画有每张画的问题,不要把所有的画都觉得是一样的问题。这一点“想法”一定要破掉。

画画同呼吸一样。人需要呼吸,不呼吸活不下去,绘画也要呼吸。你要把你自己的感情放进去,让画面同你一道呼吸。

《图腾》

5、用自己的眼睛看世界

我希望你们将来教书,也要让学生自己发现问题,每张画都有问题解决。不要让他们没有问题,没问题就不能进步。画到哪个样子,我都能想得到,那就糟糕了。每张画的问题都是一样,本身没有冒险,画没画完就知道怎么完成,那就毫无意思了。

绘画不仅是画的问题,重要的是观察方法的转变,就是要用自己的眼睛去看,不要用别人的眼睛去看,也不要用自己以前的眼睛去看。要知道,你们并不是技巧上的问题,而是观察出了问题。

我觉得每个颜色都很好看。从前印象派不用黑的颜色,现在根本没有这个观点,黑的颜色用得很多。颜色本身没有好坏之分,问题是你怎样处理。以前中国讲:“黄配紫,一滩屎”,其实黄配紫很好看。以前还讲,画竹子不能打叉,其实这个也没有一定的道理,还要看你怎么处理。

怎么把自己的感情同看到的东西在手上表现出来,这点最重要。每个人都有每个人自己的观察方法,每个人的风格就不一样。假如每个人的观察都是清一色的,画出来就都是一个样,像是从一个模子出来的。

《小桥流水》

《 04.11.61 》 1961 年

画家要能够做到自我批评

一个妈妈生八个孩子,八个孩子脾气都不一样,为什么你们画画却都是一样的?

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。我希望我走了以后,你们都有一个自我批评的眼光,自己能看出画的好坏,自己能判断什么地方好,什么地方坏。这样,你就有工作可以做了,你的画也就可以慢慢长进。

你们的技巧和功夫都很好,问题是观念没打开,并没有真正地用你们自己的眼睛看世界,并没有把你们每个人的本性都发挥出来。

你们要使自己的画进步,就应该不停地给自己提出问题。没有问题,那就糟糕了。每个人总有不完全的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。有的人照镜子,总是“哎呀!我多漂亮!”也有的人越照越觉得自己丑。总觉得自己漂亮,不是办法。总觉得自己丑,也不是办法。最重要的是自己知道自己的好处坏处,这一点很要紧。

我希望你们越画越不一样,一个人创出一种作风来。这并不在于你怎样画,而是在于你的观点,假如你看不见,当然你就画不进去。

画家最主要的工作是选择,就是怎样把最精彩的东西选出来,同时把不好的东西去掉,哪里该松,哪里该紧,这就需要有自我批评的观点。所以艺术家最辛苦,总是要自己给自己找麻烦,自己对自己有疑问。这种自我批评的观点不能取消。不然,你就没进步。所以我的画画完以后,总要在家里放两个月,觉得靠得住,再拿出去。靠不住,我不签字,不出去。你已经有点名气,那问题就更多。画出去了,收都收不回来。人家说,他画的就是这副样子。所以每次展览会,我都是提心吊胆。你变得太多,他说你不知在干什么;你不变,他说你老画这一套。在外国,他们能搞你一下,是最高兴的了。所以我在巴黎,每件作品都是经过反复推敲才拿去展出。

6、要找自己的麻烦

我说他的画又画死了。我不知道他自己知不知道画死了。假如不知道画死还满意,就糟糕了。如果他能差不多知道,哎呀毛病又来了,那就有办法了。假如没有自我批评的观念,就是画下去越画越多,也是越画越死。这实际上还是观察的问题。

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

《连理》

这地方好,那地方坏,这地方应该多一点,那地方应该少一点,每一笔都自问是不是对的。能做到自检,就能经常发现自己的问题。你们若想要进步,就应该不停地给自己提出问题,每个人总有不完善的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。

绘画不过是借题发挥

《 29.01.64 》 1964 年

我让你们画人体,是想让你们去画那里的光、组织,不要去想它是裸体。画人体不过是借题发挥。其实画静物,画什么都可以。

我画画完以后,总要在家里放两个月,觉得靠得住再拿出去。靠不住,我就不签名,不出去。画出去了,收都收不回来。你若已经有点名气,那问题就更多。我每次展览都是提心吊胆的,每件作品都是经过反复推敲才拿出去展的。

画画就是借个题目,把自己心里想讲的东西讲出来。这就是创作。

我不是个聪明人,除了画画,我什么事都不会干。做一个艺术家别把自己估计得太高,总是估计低一点好。因为这工作是一辈子的事,做到40岁时有40岁的问题,做到50岁时有50岁的问题。你画得多了后,就容易形成自己的一套,这时更要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

你们太注意主题了。要知道,模特儿只是一个借题,你不应该是画她,而是借她来抒发你的情感。你不能做她的奴隶,不是她主宰你,而是你主宰她。你们一见模特儿,就怕得要死。颜色上去很多,结果都是灰的。要保持新鲜感呀!你们要记住这句话,就是绘画中所有东西都是个借题,不过是借它来表现自己。应该老是对自己说,管他是什么,我画我想画的东西。也就是借它这个题目,来做我的文章老子讲过“大象无形”,这就是真正绘画的道理。

干艺术家最辛苦,总是要自己给自己找麻烦,自己对自己有疑问。你一旦放弃对自己的批判,你就无法进步。

我现在用模特儿,不过是借模特儿做个参考,我改画时可以有个根据。根据她,可以搞出色彩关系来。

7、胆子要大,观念要新

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